긴 기사입니다: 전통 예술은 노후화되고 있으며, NFT는 새로운 세대의 수집가들에게 르네상스를 불러일으키고 있습니다.

저자: vangoya , NFT 분석가

작성: 펠릭스, PANews

암호화폐 업계에 있는 대다수의 사람들은 NFT가 시대에 뒤떨어졌다고 생각합니다.

예술계에서는 대부분의 사람들이 NFT가 할리우드 유명인사와 싱가포르 암호화폐 창업자 몇 명을 잠시 속인 후 흔적도 없이 사라진 사기라고 생각합니다.

게다가, 그중에서도 가장 목소리가 큰 세 번째 집단이 있는데, 이들은 지난 4년 동안 똑같은 세 문장을 반복해 왔습니다.

"그건 그냥 JPEG 이미지일 뿐이에요."
"마우스 오른쪽 클릭 한 번으로 당신의 백만 달러짜리 원숭이를 구할 수 있어요."
"NFT는 사기입니다. 그저 무작위 동물 이미지의 가격을 부풀려 팔아넘기는 것일 뿐입니다."

2021년 이후로 인터넷을 사용해 왔다면 이 세 가지 표현을 분명히 들어봤을 것이고, 심지어 직접 사용해 본 적도 있을 것입니다.

하지만 이러한 주장들은 모두 틀렸고, 데이터는 이를 명확히 보여줍니다. 왜 아무도 이 점을 공개적으로 지적하지 않는지 정말 이해가 안 됩니다.

2025년 전통 미술 시장의 매출액은 596억 달러로 전년 대비 4% 증가했지만, 2022년 최고치인 678억 달러에는 미치지 못했습니다.

NFT 시장 규모는 현재 약 20억 달러로, 최고점 대비 약 90% 하락했습니다. 표면적으로는 "NFT는 손실을 봤다"라고 말할 수도 있겠죠.

하지만 겉모습만 보고 책을 판단할 수는 없습니다. 박물관, 유명 갤러리, 경매장, 그리고 노련한 수집가들을 포함한 미술계 전체가 지난 4년 동안 소위 "죽은 작품"을 위한 기반을 조용히 구축해 왔기 때문입니다.

이 글은 단순히 "시장 추천"을 하는 짧은 글이 아닙니다. 여러분이 좋아하는 PFP(인물 사진 기반 NFT)의 최저 가격이 50배 오를 거라고 알려주는 글도 아니죠. 이 글에서는 더 자세한 내용을 다룹니다.

다른 사람들이 가격 변동 추이를 지켜보는 동안 미술계의 실질적인 책임자들은 무엇을 하고 있었을까요?
과거의 주요 예술 운동들은 왜 모두 인정받기 전에 수십 년 동안 조롱을 받았을까요?
NFT의 전망이 부정적이라는 주장은 전혀 타당하지 않습니다.

1. 당신이 불멸이라고 믿는 시장은 사실 축소되고 있습니다.

전통적인 미술 시장의 규모는 596억 달러로 추산됩니다. 이 수치는 지난 10년간 미술계에서 가장 존경받는 분석가 중 한 명인 클레어 맥앤드류 박사가 작성한 아트 바젤과 UBS의 2026년 보고서에서 나온 것입니다.

NFT 기준으로 보면 이 숫자는 엄청난 규모입니다. 하지만 이 숫자에 대해 아무도 알려주지 않는 몇 가지 진실이 있습니다.

성장세가 정체되었습니다 . 2022년 최고치인 678억 달러에서 하락하여 2년 연속 감소세를 기록한 후 소폭 반등했습니다.
중가 시장이 축소되고 있습니다 . 5만 달러 미만 작품 시장은 10년 이상 지속적으로 축소되어 왔습니다.
가치가 극도로 집중되어 있다 : 공개 경매에서 100만 달러가 넘는 작품은 전체 출품작 수의 1% 미만을 차지하지만, 전체 가치의 54%를 차지한다.
부의 이전 : 보고서는 또한 중대한 전환점, 즉 "대규모 부의 이전"을 예고합니다. 향후 20년 동안 80조 달러가 넘는 자산이 베이비붐 세대에서 자녀와 손자녀에게 이전될 것입니다.

그 문장을 다시 읽어보죠. "전체 작품의 1%가 전체 가치의 54%를 차지한다." 전통적인 미술 시장은 진정한 의미의 600억 달러 시장이 아닙니다. 일반 대중이 접근 가능한 시장은 약 300억 달러 규모이고, 여기에 억만장자들이 바스키아와 피카소를 거래하며 세금을 효율적으로 회피하는 300억 달러 규모의 "슈퍼 카지노"가 더해진 것입니다.

이 최상위 시장은 문제에 직면해 있습니다. 구매자들도 나이가 들고, 딜러들도 나이가 들고, 인프라도 노후화되고 있습니다. 80조 달러라는 막대한 자산을 물려받을 젊은 세대는 소더비 경매 카탈로그를 보며 자라지 않았습니다.

그들은 인터넷 시대에 자랐다.

그러므로 NFT에 대해 논의하기 전에 한 가지 점을 분명히 해야 합니다. 소위 NFT의 경쟁자는 급성장하는 시장이 아닙니다. 오히려 심각한 중앙집권화 문제를 안고 있는, 세대 간 이전 문제에 직면한 노후화된 시장이며, 후손들은 낡은 것을 원하지 않습니다. 이것이 바로 사람들이 "안전자산"이라고 부르는 것입니다.

고급 미술품 시장에서 경험 많은 수집가들은 새로운 미술 매체를 탐구하기보다는 자산 관리, 유동성 및 출처에 점점 더 집중하고 있습니다.

자, 이제 예술계를 좌지우지하는 사람들이 실제로 어떻게 돈을 사용하는지 살펴보겠습니다.

둘째, 당신이 알아차리기도 전에 골키퍼가 이미 움직였습니다.

미술계는 새로운 미술 매체를 인정하는 매우 독특한 메커니즘을 가지고 있습니다. 그 과정은 다음과 같습니다.

몇몇 예술가들이 새로운 형태의 작품을 창조해냈습니다.
비평가들은 그것을 조롱했고, 수집가들은 그것을 외면했다.
몇몇 용감한 큐레이터들이 이러한 작품들을 기관 소장품으로 확보했습니다.
다른 박물관들도 그 사례를 보고 뒤따라 소장품을 확보했다.
경매 회사들은 기관의 변화를 감지하고 그러한 작품들을 경매에 부치기 시작했습니다.
유명 갤러리들이 이 작가들과 계약을 맺었습니다.
이후 세대에 걸쳐 물가는 계속해서 상승했다.

이것은 사진, 비디오 아트, 설치 미술 등 다양한 예술 분야에 적용되는 흔한 기법입니다. 미술계에서 처음에는 "진정한 예술이 아니다"라고 여겨졌던 모든 매체에 효과가 있습니다.

이와 동일한 전략이 현재 디지털 아트와 블록체인 아트 분야에서 사용되고 있습니다. 대부분의 사람들은 초기 단계가 이미 조용히 완료되었다는 사실을 모르고 있습니다.

다음은 주요 박물관들이 영구 소장하고 있는 작품들 중 일부입니다.

뉴욕 현대미술관(MoMA)은 2023년에 레픽 아나돌의 작품 *Unsupervised*를 소장했습니다. 이 작품은 약 1년 동안 미술관 로비에 전시되어 300만 명의 방문객을 끌어모았습니다. 소장 당시 작품과 동일한 디자인의 NFT와 방문객이 채굴할 수 있는 블록체인 기념품도 함께 제공되었습니다. 같은 해 MoMA는 이안 쳉의 *3FACE*도 소장했습니다. 이 작품은 소유자의 지갑 내용을 읽어 그에 따라 변화하는 생성형 NFT입니다. 이러한 개념 미술은 블록체인 기술이 없었다면 불가능했을 것입니다.
퐁피두 센터(파리): 2023년, 13명의 작가가 제작한 18점의 NFT 작품을 소장하게 되었습니다. 이 컬렉션에는 크립토펑크, 오토글리프, 사라 메요하스 등의 작품이 포함되어 있습니다. 큐레이터 마르셀라 리스타는 이 컬렉션이 브루스 나우만과 같은 거장들의 작품을 계승하는 자연스러운 연장선이라고 설명합니다.
로스앤젤레스 카운티 미술관(LACMA)은 세계에서 가장 권위 있는 온체인 아트 컬렉션 중 하나를 자랑합니다. 2023년 2월, 컬렉터 코조모 데 메디치는 크립토펑크, 드미트리 체르니악의 '링거', 타일러 홉스의 작품들을 포함한 22점의 생성형 예술 및 블록체인 작품을 기증했습니다. 이는 미국 박물관이 받은 블록체인 예술 작품 단일 기증으로는 최대 규모였습니다. 또한, 아트 블록스의 설립자인 에릭 칼데론은 온체인 생성형 예술 운동의 선구적인 작품인 '크로미 스퀴글'의 최종 버전을 박물관에 직접 기증했습니다. LACMA는 미국 박물관 중 최초로 여성 작가의 디지털 아트 작품을 수집하기 위한 기금을 설립하기도 했습니다.
마이애미 현대미술관(ICA Miami): 이 미술관은 크립토펑크 #5293 기증을 수락하며 가장 먼저 행동에 나선 기관입니다. 2022년, 유가 랩스는 두 번째 크립토펑크를 기증하고 전 세계 주요 박물관에 크립토펑크를 홍보하는 것을 목표로 하는 "펑크 헤리티지 프로젝트"를 시작했습니다.
휘트니 미술관: 오랜 세월 동안 조용히 디지털 및 온라인 예술 작품들을 수집해 왔으며, 상설 소장품에는 라파엘 로젠달의 작품 두 점이 포함되어 있습니다. 2001년부터는 아트포트(Artport)라는 디지털 전시 플랫폼을 운영하고 있습니다.
버팔로에 위치한 AKG 미술관은 2022년 말 미국 미술관 최초의 블록체인 예술 전시회인 "피어 투 피어(Peer to Peer)"를 개최했습니다. 큐레이터는 역사적인 전환점을 강조했는데, 바로 이 미술관이 1910년 미국 미술관 최초의 사진 전시회를 열었다는 점입니다. 사진이 발명된 지 75년이 지난 1910년 당시에는 사진이 여전히 예술로 인정받지 못했습니다.
구겐하임 미술관은 2024년에 제니 홀저의 "라이트 라인"을 전시했는데, 이는 인공지능이 생성한 텍스트를 통합한 길이 900피트의 스크롤링 LED 설치 작품이었다.

뉴욕의 퐁피두 센터, 뉴욕 현대 미술관(MoMA), 로스앤젤레스 카운티 미술관(LACMA), 마이애미 현대 미술관(ICA Miami), 휘트니 미술관, 버팔로의 AKG 예술 센터, 그리고 구겐하임 미술관은 미국과 유럽 현대 미술의 제도적 기반을 형성하고 있으며, 이들 모두 지난 4년간 디지털 및 블록체인 예술을 공식적으로 지원하겠다고 약속했습니다.

관심을 기울이지 않는 사람들은 기관들이 신경 쓰지 않는다고 말할 것입니다. 하지만 사실 이 기관들은 이미 공개적으로 시장에 진입했습니다. 시장이 이를 무시하는 이유는 단지 최저 가격이 하락했기 때문입니다.

셋째, 당신이 지금 진지하게 받아들이는 모든 예술 운동은 원래 농담에서 시작되었습니다.

이는 암호화폐 애호가들이 흔히 간과하는 부분이지만, 미술계 사람들은 일반적으로 이해하는 부분입니다.

1863년, 프랑스 공식 전시회인 "파리 살롱"에서 2,000점이 넘는 그림이 전시에서 거부당했습니다. 압도적인 수의 거부 작품과 그에 따른 불만 때문에 나폴레옹 3세는 "거부된 작품들의 살롱"을 설립하도록 명했습니다. 사람들은 이 살롱을 보기 위해 몰려들었지만, 조롱하기 위해서였습니다. 마네의 "풀밭 위의 점심"은 이 살롱의 중심 작품이었으며, 비평가들로부터 저속하다는 혹평을 받았습니다.

오늘날 이 그림은 현대 미술의 기초를 다진 작품 중 하나로 여겨지며 오르세 미술관에 소장되어 있습니다. 만약 실제로 판매된다면 그 가치는 헤아릴 수 없을 정도일 것입니다.

1874년, 공식 살롱에서 배척당한 일단의 화가들이 자신들만의 전시회를 열었다. 한 비평가는 모네의 그림 "인상, 해돋이"를 언급하며 그들을 조롱했고, "인상주의"라는 용어로 그들을 모욕했다.

그 이름은 그대로 굳어졌고, 이후 역사상 가장 중요한 사상 학파 중 하나가 되었습니다.

살롱전 거절 사건 이후 100년이 넘도록 반 고흐의 그림이 현대 미술 경매 기록을 경신하지 못하다가, 1987년에 이르러서야 이전까지 고전 명화들이 독점했던 가격 기록을 넘어섰습니다. 그의 작품 "해바라기"는 크리스티 경매에서 거의 4천만 달러에 낙찰되었습니다.

반 고흐는 생전에 단 한 점의 그림만 팔았습니다. 하지만 오늘날 그의 작품은 경매에서 1억 달러가 넘는 가격에 쉽게 낙찰됩니다.

이러한 시간적 격차는 예외 없이 모든 예술적 혁명에서 불가피한 부분입니다.

이는 예술적 인정을 받는 데 항상 한 세기가 걸린다는 의미가 아닙니다. 오히려 조롱이 인정에 앞서고, 제도적 수용이 뒤따르며, 시장의 재평가가 가장 나중에 이루어진다는 것을 의미합니다.

팝아트를 예로 들어보겠습니다. 1962년 7월, 앤디 워홀의 "캠벨 수프 캔" 시리즈가 로스앤젤레스의 페러스 갤러리에서 공개 전시되었습니다. 인근 갤러리는 이를 조롱하기 위해 실제 캠벨 수프 캔을 매장 쇼윈도에 전시하고 "진품, 29센트"라는 간판을 걸었습니다. 32점의 그림 중 단 5점만 팔렸습니다. 결국 갤러리 주인 어빙 블럼이 1,000달러에 전체 작품을 사들였습니다.

이 32점의 수프 캔 그림은 현재 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 가장 귀중한 소장품 중 하나입니다. 이 시리즈의 그림 중 하나는 개인 거래를 통해 900만 달러가 넘는 가격에 팔렸습니다.

그 식료품점은 오래전에 잊혀졌다.

개념 미술을 예로 들어보겠습니다. 1967년 솔 르윗은 *아트포럼* 잡지에 "개념 미술에 대한 한 단락"이라는 글을 발표했습니다. 그의 첫 문장은 "아이디어는 예술을 만드는 기계가 되었다"였습니다. 당시 이는 미술계에서 비주류적인 철학으로 여겨졌습니다. 초기 개념 미술가들은 갤러리 시스템에 대한 비판의 일환으로, 소장할 수 없는 작품에 대해 의도적으로 계약서, 설명서, 증명서 등을 만들었습니다. 그들은 미술 시장의 틀을 벗어나고자 했던 것입니다.

솔 르윗의 작품 경매 최고가는 이제 160만 달러를 넘어섰습니다. 그의 벽화들은 현재 전 세계 주요 박물관에 소장되어 있습니다.

개념적으로 벽화 그리기는 스마트 계약과 같습니다. 누군가 규칙을 정하고, 다른 누군가는 그 규칙을 실행합니다. "예술"은 그 프로토콜 안에 존재하는 것입니다.

그는 블록체인 기술이 등장하기 50년 전에 블록체인 상에서 예술 작품을 생성하는 프레임워크를 발명했습니다.

이제 이 예술 작품들이 탄생하는 데 얼마나 오랜 시간이 걸렸는지 살펴보겠습니다. 다음 내용은 여러분에게 새로운 관점을 제공할 것입니다.

인상주의 : 1863년 조롱받던 시대부터 1987년 모더니즘 미술 경매 최고가 기록을 경신하기까지 124년이 걸렸습니다.
팝아트 : 1962년 식료품점에서 조롱거리가 된 것에서 시작하여 1960년대 후반 뉴욕 현대미술관(MoMA)에 영구 소장되기까지 약 50년이 걸렸고, 마침내 수백만 달러에 팔리기까지 상당한 시간이 걸렸습니다.
개념 미술 : 1967년 선언문 발표 이후 경매 가격이 100만 달러를 넘어서기까지 약 35년이 걸렸습니다.
NFT 아트 : 대부분의 사람들이 최초의 NFT로 여기는 퀀텀(Quantum)은 2014년에 발행되었습니다. 크립토펑크(CryptoPunks)는 2017년에 출시되었고, 크리스티(Christie's)는 2021년에 첫 번째 대규모 NFT 아트 경매를 개최했습니다. 이렇게 되기까지 7년이 걸렸습니다.

7년.

인상파 화가들은 세상이 그들을 어떻게 칭해야 할지 알기도 전에 이미 여덟 번의 전시회를 열었습니다. NFT의 첫 번째 작가들은 여전히 작품 활동을 하고 있으며, 대부분이 아직 살아 있고, 또 대부분은 전성기를 누리고 있습니다. 마네, 반 고흐, 워홀, 르 베리에의 작품 가격을 책정할 때 사용했던 전략이 이제 조용히 그들에게 적용되고 있습니다.

인상주의가 조롱받던 시대에서 수십억 달러의 가치를 지닌 예술로 자리매김하기까지는 수십 년이 걸렸습니다. 개념 미술 역시 비슷한 저항에 직면했습니다.

패턴은 다음과 같습니다. 새로운 매체가 등장하고, 주류 사회는 이를 배척하지만, 곧이어 많은 창작자와 수집가들이 이를 받아들이기 시작하고, 제도적 지원이 이어지며, 최종적으로 막대한 자금이 유입됩니다.

NFT의 발전 속도는 역사상 그 어떤 예술 운동보다도 빨랐습니다.

 "아이디어는 예술을 창조하는 기계가 된다." — 솔 르윗, 1967

그는 당시 벽화에 대해 이야기하고 있었지만, 그의 설명은 스마트 계약에도 적용될 수 있습니다.

IV. 주요 갤러리들은 이미 발걸음을 내디뎠습니다.

20년 후 역사에 기억될 예술가가 누구인지 알고 싶다면 경매 가격을 보지 말고 어떤 갤러리가 그들과 계약했는지 살펴보세요. 페이스, 가고시안, 하우저앤워스 같은 갤러리들은 누가 박물관과 교과서에 작품을 전시하게 될지를 좌우합니다. 이들은 미술계에서 가장 보수적인 주체로, 50년 후에도 여전히 중요할 것이라고 믿는 예술가들과만 계약합니다.

페이스 갤러리 : 1960년에 설립된 이 갤러리는 로스코와 솔 르윗 같은 예술가들의 유산을 대표합니다. 특히 솔 르윗은 NFT 예술의 개념적 유산과 가장 밀접한 관련이 있습니다. 2021년 11월, 페이스 갤러리는 NFT 및 웹3 전용 플랫폼인 페이스 버소(Pace Verso)를 출시했습니다. 이후 여러 유명 작가들과 협력하여 다양한 NFT 프로젝트를 진행해 왔습니다.

제프 쿤스 (그의 조각품들은 달에 보내졌다)
마야 린
트레버 파글렌
팀랩
경향
타라 도노반
루카스 사마라스
존 제라드
로이 할로웰
레오 빌라레알
랜덤 인터내셔널

이 목록을 자세히 살펴보세요. 이 작가들은 암호화폐 분야에 처음 발을 들인 사람들이 아닙니다. 그들은 현대 미술계에서 이미 확고한 입지를 다진 인물들이며, NFT 작품이 상위 3대 갤러리 중 한 곳을 통해 출시된 것은 이번이 처음입니다.

그리고 2023년 3월, 페이스는 더욱 의미 있는 일을 해냈습니다. 온라인 아트 분야에서 두각을 나타낸 생성형 아티스트 타일러 홉스의 개인전을 뉴욕 플래그십 갤러리에서 개최한 것입니다. 그의 QQL 알고리즘에서 파생된 12점의 대형 회화 작품이 로스코와 칼더의 작품들과 함께 같은 갤러리에 전시되었습니다.

QQL 민트 패스는 전년도 9월에 1,700만 달러에 판매되었습니다. 한 달 후, 암호화폐 약세장 속에서도 2차 시장 가격은 2,800만 달러까지 급등했습니다.

페이스 갤러리가 생성형 NFT 작가를 위해 마련한 개인전은 단순한 홍보 행사가 아니라, 하나의 투표와 같은 의미였습니다.

이는 단지 한 건의 사례가 아닙니다.

레만 마우핀 갤러리가 암호화폐 결제를 허용하는 최초의 상업 갤러리가 되었습니다.
하우저 앤 워스 갤러리에서는 제니 홀저의 NFT 관련 작품들을 전시하고 있습니다.
가고시안 갤러리는 암호화폐 결제를 허용합니다.
소더비는 2021년에 자체 메타버스 마켓플레이스를 출시했으며, 이후 NFT 판매액이 1억 달러를 넘어섰습니다. 대부분의 마켓플레이스가 온체인 로열티 지급을 중단한 것과는 달리, 소더비는 아티스트에게 계속해서 로열티를 지급하고 있습니다.
크리스티는 2022년 10월, 전통적인 경매 회사가 출시한 최초의 완전한 블록체인 기반 경매 플랫폼인 크리스티 3.0을 출시했습니다.

경매 회사와 유명 갤러리들이 반드시 암호화폐를 활용해야 하는 것은 아닙니다. 암호화폐가 없더라도 이미 사업은 상당히 수익성이 좋습니다. 그들이 암호화폐를 활용하는 이유는 미술계의 가장 보수적인 분야에 있는 안목 있는 사람들이 데이터를 분석하여 향후 25년간의 수집 트렌드가 암호화폐 시장에서 전개될 것이라고 결론 내렸기 때문입니다.

V. 결정적 데이터

마이크 윙켈만은 13년 동안 매일 디지털 그림을 하나씩 그려 온라인에 올렸지만, 거의 아무런 주목도 받지 못했습니다. 그의 팬은 소수에 불과했고, 갤러리나 박물관의 관심도 받지 못했으며, 전통적인 미술계에서 발 디딜 곳도 없었습니다.

하지만 2021년 3월, 크리스티 경매에서는 그의 작품 5,000점을 모두 모아놓은 문서가 경매에 부쳐졌고, 결국 6,930만 달러에 낙찰되었습니다. 그의 온라인 활동명은 비플(Beeple)이었습니다.

자, 이제 모든 데이터를 하나로 정리해 봅시다.

비플의 "Everydays: The First 5000 Days"는 2021년 3월 크리스티 경매에서 6,930만 달러에 낙찰되었습니다. 이는 주요 경매 회사에서 순수 디지털 NFT 작품을 경매에 내놓은 최초의 사례였습니다. 이로써 비플은 세계 경매 역사상 생존 작가 중 세 번째로 높은 가격에 팔린 작가가 되었습니다.
박찬욱의 작품, <합류(The Merge)>는 2021년 경매에서 9,180만 달러라는 기록적인 가격에 낙찰되어 생존 작가의 작품 중 공개 경매 최고가 기록을 세웠습니다. 그러나 이 작품이 여러 개의 묶음으로 판매되었기 때문에 이러한 비교는 여전히 논란의 여지가 있습니다.
비플, *휴먼 원*: 2021년 11월 크리스티 경매에서 2,900만 달러에 판매됨. 이 작품은 물리적 요소와 디지털 요소를 결합한 하이브리드 조각으로, 역동적인 NFT 구성 요소를 포함합니다.
드미트리 체르니악의 작품 *링거스 #879*는 2023년 6월, 암호화폐 시장이 침체된 시기에 소더비 경매에서 620만 달러에 낙찰되었습니다. 이는 경매에서 판매된 생성 예술 작품 중 역대 두 번째로 높은 가격입니다. 같은 날 소더비의 그레일즈(Grails) 경매는 총 1,100만 달러의 매출을 올렸고, 8개 작가의 최고가 기록을 경신했습니다. 이는 2021년의 일시적인 유행이 아니라, 2023년 암호화폐 시장의 침체기에도 흔들리지 않는 믿음을 보여준 결과입니다.
타일러 홉스, 피덴자 #725: 2023년 5월 소더비 현대미술 야간 경매에서 100만 달러 이상에 낙찰되었으며, 이는 예상 최고가의 5배에 달하는 금액입니다.
XCOPY의 "마우스 오른쪽 클릭 후 다른 이름으로 저장하기" 작품은 2021년 말 SuperRare 경매에서 약 700만 달러에 낙찰되었습니다. 그의 다른 작품들도 이전에 수백만 달러에 거래된 바 있습니다.
뉴욕 현대미술관에 작품이 소장된 레픽 아나돌은 2023년 9월 라스베이거스의 돔 건물 외벽에 작품을 투사한 최초의 예술가가 되었으며, 그곳에서 4개월간 머물렀습니다. 그 이전에는 월트 디즈니 콘서트홀, 카사 바트요, 베니스 건축 비엔날레 등에서 그의 작품이 전시되었습니다. 그는 2016년 구글 최초의 레지던스 아티스트로 선정되었습니다.

이것들은 개별적인 사례들이 아니라, 더 큰 전체의 일부입니다.

오늘날 수많은 디지털 아티스트들이 미술계에서 활발하게 활동하고 있으며, 그들의 작품은 경매에서 수백만 달러, 심지어 수천만 달러에 달하는 가격에 낙찰되기도 합니다. 그들의 작품은 세 대륙의 박물관에 소장되어 있으며, 현대 미술계의 최고 갤러리에서 자리를 차지하고 있습니다.

5년 전만 해도 이런 단체는 존재하지 않았습니다.

열기는 식었지만, 기반 시설은 여전히 견고합니다. 그리고 그 기반 시설을 구축한 사람들은 당신이 그 사실을 깨닫기를 기다리지 않을 것입니다.

VI. "메딕 패밀리"의 새로운 세대가 수집을 시작했습니다.

특정 자산군의 미래 시장 추세를 이해하고 싶다면, 약세장에서 자산을 축적해 온 사람들을 찾아보세요.

자신을 "코조모 데 메디치"라고 부르는 수집가가 있습니다. 이 이름이 유명한 데에는 이유가 있습니다.

메디치 가문은 초기에는 보티첼리, 미켈란젤로, 도나텔로와 같은 화가들을 후원했는데, 이들은 당시에는 비교적 무명이었고 회화라는 예술 형식이 이제 막 태동하던 시기였다. 시간이 흐르면서 이러한 투자의 수익은 사실상 무한대에 가까웠다.

다른 이들은 이해하지 못했지만, 메디치 가문은 매체가 변화하고 있다는 것을 깨달았고, 이를 가장 먼저 알아차린 사람들이 고전을 창조할 것이라는 사실을 인지했습니다.

2023년 2월, 코조모 데 메디치는 로스앤젤레스 카운티 미술관(LACMA)에 22점의 생성형 예술 작품을 기증했습니다. 메디치 가문의 이름이 모든 것을 말해줍니다. 그들은 인터넷 예술이 피렌체 르네상스처럼 후세에 기억될 것이라고 확신했던 것입니다.

그들은 홀로 싸우는 것이 아닙니다.

Punk6529: 이 익명의 수집가는 "거위(The Goose)"를 620만 달러에 구매했습니다. 그는 메타버스에서 박물관 지구를 운영하며 2천 점이 넘는 작품을 전시하고 있습니다. 그의 개인 소장품은 최고점에 달했을 때 2천만 달러 이상의 가치를 지녔습니다. 그는 수년 동안 NFT가 단순한 거래가 아니라 디지털 문화를 기반으로 한 새로운 시스템이라고 공개적으로 주장해 왔습니다.
플라밍고 DAO: 2020년 10월부터 자금 모금을 시작한 약 100명의 회원으로 구성된 그룹입니다. 이들은 현존하는 유일한 완전한 크립토펑크 자산 세트와 모든 오토글리프 세트를 보유하고 있습니다. 또한 2021년에 약 75만 달러에 구매한 에일리언 펑크 NFT를 보유하고 있는데, 이는 현재 약 1,300만 달러의 가치를 지닙니다. 이들의 포트폴리오는 최대 10억 달러로 평가되기도 합니다.
PleasrDAO는 미국 연방 정부로부터 유일하게 남아있는 우탱 클랜 앨범을 입수했는데, 이 앨범은 이전에 미국 정부가 마틴 슈크렐리로부터 압수했던 것입니다. 또한 에드워드 스노든의 Stay Free NFT를 500만 달러 이상에 구매했습니다. 뿐만 아니라, 오리지널 도지 이모지 NFT도 확보하여 소량으로 재판매하고 있습니다. PleasrDAO는 a16z의 지원을 받고 있습니다.

이들은 소매 투기꾼이나 일반 구매자가 아닙니다. 이들은 NFT 열풍이 사그라든 후에도 투자를 지속할 수 있을 만큼 충분한 자금과 확신, 그리고 문화적 이해도를 갖춘 수집가 및 단체이며, NFT 수집을 수익성 있는 투자 기회로 보고 있습니다.

여기에 익명의 기관 투자자들과 조용히 투자에 나선 패밀리 오피스, 그리고 크리스티의 온체인 경매가 전용 플랫폼을 유지하기에 충분하다는 사실까지 더하면, 실제 상황은 "NFT는 죽었다"라는 대중적인 주장과 일치하지 않는다는 것을 알 수 있습니다.

NFT는 축적되고 있습니다. 하지만 NFT 보유자들은 X 플랫폼에서 매일 자신의 포트폴리오를 자랑하지는 않습니다.

메디치 가문의 사례는 이번 거래 전체의 핵심입니다.

미래의 기관들이 특정 매체를 수집해야 한다는 사실을 깨닫기 전에, 먼저 수집하고자 하는 매체를 찾아내고, 그 가치가 미래 가치보다 훨씬 낮은 시점에 기초가 되는 작품들을 비교적 저렴한 가격으로 구입해야 한다.

이것이 바로 원래 메디치 가문이 했던 일입니다.

VII. 재정의

여기까지 읽으셨다면 제가 무슨 말을 하려는지 이미 짐작하셨을 겁니다.

전통적인 미술 시장은 축소되고, 더욱 중앙집중화되고 있으며, 고령화되고 있습니다. 주요 구매자는 노년층입니다. 미술 시장의 기반 시설은 인터넷 시대를 경험하지 못한 세대를 위해 구축되었습니다. 그리고 그 다음 세대, 즉 인터넷 시대를 경험한 세대는 그들로부터 80조 달러에 달하는 부를 물려받게 될 것입니다.

미국과 유럽의 주요 현대 미술 기관 중 일부가 디지털 아트와 블록체인 아트에 투자하기로 공식적으로 약속했습니다.

지난 150년 동안 모든 주요 예술 운동은 진지하게 받아들여지기 전 수십 년 동안 조롱을 받았습니다. 하지만 NFT 예술은 불과 7년에서 12년 정도밖에 존재하지 않았습니다.

주요 갤러리들은 이미 선택을 마쳤습니다. 페이스 갤러리는 타일러 홉스의 개인전을 개최했고, 소더비는 전용 디지털 아트 플랫폼을 운영하고 있으며, 크리스티는 완전한 웹 기반 경매 플랫폼을 운영하고 있습니다.

경매 가격은 이미 정해져 있었다. 비플은 무려 6,900만 달러에 팔렸다. 팍은 9,100만 달러, 체르니악은 약세장에서 620만 달러의 가치를 지녔다. 아나돌의 이미지는 라스베이거스 구판에 걸렸다.

수집가들은 플라밍고, 플레아르다오, 6529, 코조모를 비롯해 잘 알려지지 않은 패밀리 오피스의 제품들을 대량으로 사재기하고 있습니다.

다음은 NFT에 대한 몇 가지 일반적인 오해입니다.

사람들은 NFT를 단순한 거래 유형으로 봅니다. 하지만 NFT는 소유권 시스템입니다. NFT 이전의 디지털 문화는 유통 경로는 무한했지만 소유권은 존재하지 않았습니다. 모든 것이 유통되었고, 진정으로 소유할 수 있는 것은 없었으며, 모든 가치는 창작자나 수집가가 아닌 플랫폼으로 흘러갔습니다.

NFT는 모든 것을 혁신했습니다. 이제 문화는 무한히 확산될 수 있지만, 소유권은 제한적으로만 보장됩니다.

이것이 핵심입니다. 예술품의 가격은 항상 출처, 이야기, 문화적 중요성이라는 세 가지 요소에 따라 결정되어 왔으며, 체인 소유권은 이러한 요소들을 대체할 수 없습니다. 오히려 이 세 가지 측면을 모두 강화시켜 줍니다.

블록체인을 기반으로 하고 사회적 합의를 지닌 희귀 예술 작품은 새로운 희소 자원이며, 이러한 작품을 수집하는 사람들은 모든 중요한 예술 매체의 탄생 초기에 권위 있는 수집가들이 했던 것과 같은 일을 하고 있는 것입니다.

이 주장을 진정으로 돋보이게 하는 것은 바로 다음과 같은 점입니다.

온체인 아트워크는 소유권 이력을 프로그래밍하고 공개하며 제작 순간부터 타임스탬프를 찍을 수 있는 최초의 주요 예술 범주입니다.

전통적인 미술 시장은 위조품, 출처 불명, 소유권 분쟁으로 인해 매년 수십억 달러의 손실을 보고 있습니다. 미국에서 가장 오래된 갤러리(165년 역사)인 크노들러 갤러리는 2011년 폐관 전 로스코와 폴록의 진품을 포함해 8천만 달러 상당의 위조품을 판매했습니다. 심지어 레오나르도 다빈치의 작품으로 공식 인정받고 크리스티 경매에서 4억 5천만 달러에 낙찰된 "살바토르 문디"조차도 여전히 논란의 여지가 있습니다.

온체인 아트에서는 이러한 문제가 발생하지 않습니다. 아트워크의 출처는 매체 자체에 있습니다. 모든 이전 소유자를 확인할 수 있으며, 모든 거래에는 타임스탬프가 찍히고, 모든 스마트 계약은 감사가 가능합니다.

역사상 처음으로 예술 작품과 그 작품의 완전한 소유권 이력이 모두 불변의 수학적 객체가 되었습니다.

JPEG 이미지를 마우스 오른쪽 버튼으로 클릭하여 저장할 수는 있지만, 소스 정보를 함께 저장할 수는 없습니다. 바로 이 점이 핵심입니다.

이는 1967년 솔 르윗이 제안한 "비물질화" 개념의 궁극적인 실현입니다.

아이디어는 기계입니다. 기계는 예술을 창조합니다. 블록체인은 모든 것을 기록합니다.

박물관 소장품, 경매 기록, 갤러리 에이전트, 수집가 그룹, 역사적 흐름, 상속, 전통 시장의 구조적 문제점, 그리고 자산 소유권의 온체인 추적 가능성이 제공하는 이점 등 다양한 데이터를 면밀히 분석해 보면, NFT 예술 작품의 시장 가치가 영원히 20억 달러에 머물 수는 없다는 것을 알게 될 것입니다.

현재 특정 자산군의 시가총액은 20억 달러입니다.

세계에서 가장 권위 있는 박물관이 현재 기초가 될 소장품들을 수집하고 있습니다.
세계에서 가장 보수적인 갤러리가 소속 작가들과 계약을 체결합니다.
세계 최고의 전문 수집가들이 조용히 부를 축적하고 있다.
역대 가장 명확한 추적 시스템;
수조 달러에 달하는 상속 재산이 스크린과 함께 자란 세대들의 손에 넘어갈 예정이며, 이러한 세대 간 자산 이전이라는 흐름은 막대한 이익을 가져올 것입니다.

핵심은 가격이 아니라 매체 자체에 있다.

그리고 이 매체는 유일하게 중요한 논쟁에서 승리했습니다. 바로 "예술"이 무엇인지 결정하는 기관들이 결정을 내린 것입니다.

NFT 예술의 진정으로 가치 있는 측면들은 투기적 폭락 속에서도 살아남았고, 역사상 가장 논란이 많았던 예술 운동들보다 훨씬 빠르게 제도화되었습니다.

비관론자들은 NFT의 몰락이 투기 시장의 붕괴 때문이라고 주장합니다. 그러나 기관 기록에 따르면 투기는 사라졌지만 NFT라는 매체 자체는 살아남았습니다.

이는 모든 PFP가 돌아온다는 의미는 아닙니다. 대부분은 돌아오지 않을 것입니다. 또한 2021년의 모든 컬렉션이 중요하다는 의미도 아닙니다. 중요한 것은 온체인 아트의 기초가 되는 작품들이 정리되고, 수집되고, 해석되며, 그 고전적 위상이 실시간으로 확립되고 있다는 점입니다.

핵심은 "NFT가 돌아왔다"는 것이 아닙니다.

핵심은 디지털 아트가 미술사에 한 자리를 차지하고 있음에도 불구하고 대부분의 사람들이 여전히 그것을 시대에 뒤떨어진 유행처럼 여긴다는 점입니다.

1965년에는 중고차 한 대 값으로 앤디 워홀의 그림을 살 수 있었습니다. 지금은 같은 그림이 수억 원에 팔립니다. 오늘날 기초 디지털 아트의 가격은 1965년 워홀 작품의 가격과 정확히 같습니다. 이는 단순한 추측이 아니라 검증 가능한 데이터입니다.

살롱은 한때 마네를 조롱했고, 식료품점은 한때 앤디 워홀을 조롱했다. 오늘날 비플, 아나돌, 홉스, 체르니악을 조롱하는 사람들은 새로운 매체가 예술로 인정받기도 전에 그것을 비웃었던 사람들과 놀랍도록 흡사하다.

역사는 언제나 이런 게임에서 누가 결국 어리석어 보이는지를 증명합니다. 이제 남은 질문은 당신이 이 글을 읽지 않은 사람들보다 먼저 행동할 것인가 하는 것입니다.